Faites que vos personnages soient pop avec la couleur et la lumière

Sep 16, 2025

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J'aime vraiment travailler en couleur, que ce soit dans Photoshop cc ou peindre traditionnellement avec des aquarelles. La couleur vibrante rendra souvent une illustration plus décorative, mais il y a aussi un danger de devenir plat. Cependant, vous pouvez contrecarrer cela en ajoutant un sens de volume dans les bons endroits de la composition.

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Dans ce tutoriel, je vais partager le Techniques d'art J'utilise pour créer un portrait lumineux et léger dans Photoshop. Regardez la vidéo ci-dessous pour voir mon écran Screencast pour ce didacticiel ou faites défiler vers le bas pour lire le guide étape par étape. Pour plus de conseils de portrait, jetez un coup d'œil à notre article sur Comment dessiner des gens .

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Pour l'inspiration, j'étudie souvent des artistes classiques. Vous pouvez en apprendre beaucoup d'eux, comme comment guider l'œil du spectateur avec l'aide de la lumière, des ombres et de la couleur. J'aime particulièrement l'art de Klimt, Mucha et Van Gogh.

Klimt a pu capturer un fort sentiment de caractère et de nature avec des coups de brosse et des couleurs. J'adore l'art de la ligne de Mucha. Il représentait parfaitement la beauté féminine et avait un œil pour les détails décoratifs, la composition brillante et les couleurs magnifiques. Et van Gogh n'était qu'un génie.

01. Trouver une inspiration

La première chose que je fais avant de commencer une illustration est de parcourir mon dossier d'inspiration. L'intérieur est de nombreux sous-dossiers, contenant des images d'éclairage, de faces, de figures humaines, de vêtements, d'illustrations de mes artistes préférés, d'animaux, de chenilles, de fleurs et de nombreux autres.

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Je regarde rapidement des dossiers, gardant à l'esprit mon thème ou mon mémoire de travail. Je remarque ce qui rend une image particulière bien, quelle émotion cela fait ressortir en moi ou ce qui est réellement beau dedans. Ma propre idée vient d'étudier ces images. Lorsque vous travaillez avec la couleur, la chose la plus inspirante est la nature: des fleurs, des papillons, des chenilles, en particulier des espèces tropicales.

02. Produire un croquis rugueux

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Ensuite, j'ai besoin de visualiser mon idée, alors je produis une série de petits croquis, composés de lignes fluides. Cela agit à la fois d'exercice d'échauffement et d'un moyen de se concentrer sur la tâche en main. Après avoir fini de dessiner, je limite les options et continuez à les affiner jusqu'à ce que le meilleur soit prêt à être utilisé comme base.

03. commencer à affiner la ligne d'art

Je crée une nouvelle couche, puis réduisez l'opacité de la couche d'esquisse et sélectionnez une brosse opaque. Puis sur un nouveau calque, je crée la ligne d'art. J'essaie de le faire aussi proprement que possible, de sorte qu'il n'y ait pas de lignes inutiles, et chaque accident vasculaire cérébral et DOT sert un but. Je pose des lignes fluides et douces pour ce portrait d'une jolie jeune femme, car ils aident à créer la bonne humeur dans la pièce.

04. Choisissez une palette de couleurs

Comme je l'ai dit plus tôt, la nature est une excellente source d'inspiration, en particulier pour le développement de combinaisons de couleurs. Regardez à quel point les couleurs sont audacieuses sur les insectes et les poissons, par exemple. Suivre la nature de la nature: choisissez une couleur vibrante, sélectionnez une grosse brosse douce et commencez à dessiner. Je sélectionne des couleurs que je connais bien travailler ensemble et garder à l'esprit que chaque couleur a son ton. Il est préférable de ne pas précipiter cette étape.

05. Couleur de la ligne d'art

Je veux conserver une partie de ma ligne d'art dans ma dernière image. Il y a une façon intéressante de faire cela: je verrouille des pixels de couche transparente sur la couche d'art de la ligne, sélectionnez la grande brosse douce et peignez dans mes couleurs. Les résultats varient - parfois ils sont le même ton, parfois sont plus sombres et parfois plus légers et plus luminants. Quel que soit le résultat, cela ajoutera de l'intérêt à vos œuvres d'art.

06. Développer les détails du visage

Ma partie préférée de l'illustration est la peinture du visage. Parce que j'ai choisi de garder la ligne d'art sur le spectacle de la pièce finie, je sens que cette illustration deviendra plus décorative et graphique. J'essaie d'ajouter des ombres volumétriques que dans quelques taches et, en même temps, travailler sur la formation d'un nez, des lèvres et des yeux. La plupart du temps, je travaille avec une grosse brosse douce, mais j'utilise une brosse texturée pour les faits saillants. Il est toujours excitant de peindre!

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07. Couleur du visage

J'inspine les couleurs du visage en utilisant les principes de chaleureux théorie des couleurs . Dans cette image, je peage avec des couleurs vives et vibrantes: les ombres sont orange et la lumière est plus froide. Parfois, il est difficile de faire tout à la fois. Une solution consiste à d'abord peindre le visage avec une couleur de peau neutre à l'aide de techniques d'ombrage, plutôt que de simplement remplir le visage avec une seule tonalité, puis créez une nouvelle couche, définissez-la sur la lumière dure ou la lumière douce et ajoutez l'orange dans le ombres et une lumière violette aux zones plus lumineuses.

08. Utiliser des modes de mélange

J'utilise souvent une gamme de modes de mélange: lumière douce, lumière dure, superposition, multiplier et couleur. Tous (sauf multiplier) m'aidez à créer des couleurs vives et saturées. Essayez de créer un nouveau calque et de régler le mode de mélange sur la lumière douce. Puis choisissez une grosse brosse douce, choisissez une couleur de lumière et une expérience ici et là sur votre toile.

09. N'oubliez pas les ombres

J'aime toujours expérimenter de la couleur. Il est plus facile de le faire dans des zones légères sur la toile, mais n'oubliez pas les ombres - essayez de peindre avec des couleurs vives et saturées. Il n'est pas nécessaire de le faire avec toutes vos ombres; Il peut simplement être dans une petite partie de votre illustration. Ici, j'ai sélectionné un rouge vif. Cela ajoutera une variété à ma palette de couleurs globale et vous assure que mes ombres ne sembleraient pas sombres et ennuyeuses.

10. Ajouter les cheveux et les ailes

Je laisse le visage comme ça et mettez mon attention sur les cheveux. Je le peins en violet avec des reflets bleuâtres, puis décidez d'ajouter du rose dans l'ombre. J'aime cet effet car cela me permet de me débarrasser de la forte ombre sombre sur le fond, ce qui pourrait sembler distraire pour le spectateur.

11. Prenez le temps de mettre en place un espace de travail efficace

Je garde trois fenêtres ouvertes pendant mon processus de peinture. Je peins dans la fenêtre principale, mais j'ai aussi une version plus petite de mon WIP afin que je puisse voir comment l'image développe et spotez toutes les erreurs et une version en noir et blanc qui me permet de vérifier mes valeurs.

Pour configurer votre espace de travail, allez à 'Fenêtre & GT; Arrangez & gt; Nouvelle fenêtre pour ... (nom de votre fichier) ', une fois pour la petite version et la deuxième fois pour le noir et le blanc. Pour mettre en place la fenêtre noire et blanche, allez à 'View & GT; Configuration de la preuve et GT; Custom & GT; Appareil à simuler et gt; Sgrey '. Puis appuyez ctrl + y lorsque la fenêtre noire et blanche est active.

12. Comprenez comment fonctionne le visage

En tant qu'artiste, il est vital de pouvoir dessiner un visage. Vous devez connaître l'anatomie et être capable de l'imaginer comme une forme géométrique simplifiée. Je sculpte souvent des visages à l'argile, ce qui est un excellent moyen de décomposer un visage dans des structures de base telles qu'une sphère (œil) ou deux cylindres (les lèvres). Et chaque forme a sa propre ombre, lumière et saillie.

13. construire une tenue

Parce qu'il s'agit d'une illustration stylisée, je n'ai pas besoin de dessiner de manière réaliste les feuilles des vêtements de la figure. C'est pourquoi je crée des transitions douces de couleur à l'aide de coups légers et subtils. En quelques endroits, j'ajoute des ombres contrastées, ce qui contribue à renforcer le volume. Placer une succursale sur une épaule aide à ajouter un intérêt visuel au côté droit.

14. faire des modifications finales

Je passe en revue les zones qui ont besoin de polissage et d'ajuster les couleurs à l'aide de l'outil Niveaux. L'outil couleur sélectif me permet d'ajuster des couleurs individuelles au cours de cette étape d'examen. Enfin, j'ajoute une couche de bruit à mon image, asseyez-vous et appelez-le terminé.

Cet article a été publié à l'origine dans Imaginefx, le magazine le plus vendu au monde pour les artistes numériques. Acheter numéro 156 ou s'abonner .

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05. Couleur de la ligne d'art

06. Développer les détails du visage

07. Couleur du visage

08. Utiliser des modes de mélange

09. N'oubliez pas les ombres

10. Ajouter les cheveux et les ailes

11. Prenez le temps de mettre en place un espace de travail efficace

12. Comprenez comment fonctionne le visage

13. construire une tenue

14. faire des modifications finales

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