Cómo lograr la escala en tus pinturas

En este tutorial, pasaremos algunos principios básicos que ayudarán a comunicar la idea de a gran escala en sus propias piezas. Estoy usando lápices y aceites para este tutorial, pero también puede aplicar estos principios a su obra de arte digital.

Transmitir un sentido de escala no es solo una cuestión de dibujar objetos enormes dentro de su escena. Esos objetos deben aparecer correctos en relación con otros elementos, mediante el uso del valor, teoría del color , repetición, mirador y así sucesivamente.

Las lentes fotográficas y su relación con la escala aparente es un aspecto poco comprendido de la ilustración y también se cubrirá. Como siempre, el diseño básico de iluminación, las opciones de color y la composición fortalecerán su trabajo.

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Un par de pinturas mate en las que trabajé para la película es el quinto elemento, a mi ojo ahora, fracasos de escala. Tal vez un día los corregiré, pero por ahora mi objetivo es ayudarte a evitar algunos de los errores que regresé.

Esto no es de ninguna manera un estudio exhaustivo de la escala, pero espero que un buen comienzo. Entonces empecemos...

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01. Determinar un punto de vista

Este es uno de los aspectos más difíciles de toda la ilustración: ¿De dónde veo mi escena / sujeto? ¿Qué punto de vista (POV) mejor comunica el concepto?

¿Pintaríamos un retrato de una persona desde directamente arriba o desde el piso? Por supuesto no. Sin embargo, un ángulo inferior que mira hacia arriba en un objeto grande transmite rápidamente la altura. ¡Esto también se puede comunicar desde arriba, al inducir nuestro propio miedo a caerse! Cuál es el adecuado para la escena dependerá de la idea original para el trabajo.

Al crear cualquier escena, hago mi mejor esfuerzo para visualizarme dentro del entorno y me pregunto dónde estaría si fuera a "disparar" la escena con mi cámara. ¿Dónde estaría de pie a medida que se desarrolla la acción?

Estos dos bocetos muestran que dos se necesitan en el mismo escenario. Una es una vista más baja desde la posición de las figuras que viajan hacia la formación de roca, mientras que el segundo es de encima de la roca que mira hacia abajo. Ambos transmiten escala, por lo que ahora es una cuestión de ver qué POV se adapta mejor a la historia.

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02. Elige la lente derecha.

Este consejo requiere un artículo completo para sí mismo, pero es suficiente decir que las lentes de longitud focal más largas, por ejemplo, un zoom de 150 mm, proporcionan una compresión visual de perspectiva, un aplanamiento de elementos dentro de la escena y comienza a mostrar una indicación más verdadera de la escala relativa. Un efecto secundario es el cultivo de objetos más allá del marco de la imagen que de otra manera sería visible con un disparo de gran angular.

Una lente más larga le permite editar visualmente la mayor parte de la información delante de usted, pero aún así, muestra una enorme parte del paisaje dentro de la escena. Cualquier cosa que rompe el marco se puede dejar a la imaginación y generalmente se percibe como más grande de lo que realmente podría ser. Uso esto para efectuar en mi pintura, desierto.

En el boceto de arriba, puede ver el marco de pintura original y la vista si había compuesto con una lente de gran angular imaginaria.

Si desea usar lentes reales, en lugar de imaginarios para capturar una escena y luego trabajar desde una foto, no se pierda nuestra guía a la Las mejores cámaras disponibles en este momento .

03. Repetir objetos

Aquí, puedes ver cómo funcionan la repetición de los objetos en la escena. Si bien no vemos la plataforma de embarcaciones y el aterrizaje de primer plano como objetos completos, hay suficiente información visual para que el espectador sepa que el barco acoplado en la plataforma en el fondo es una repetición de la primera. Las diminutas figuras observadas en la plataforma de primer plano transmiten el tamaño del entorno de acoplamiento.

También puede ver este principio aplicado en mi pintura Rendezvous (Consejo # 9).

04. Use valores para crear una atmósfera variada.

El valor es una de las formas más fáciles de ayudar a transmitir la escala de objetos en la distancia. La atmósfera a través del polvo, la contaminación y el humo levanta el valor de las sombras a medida que retroceden en la distancia. La cantidad varía según la gruesa que sea la atmósfera y dónde se concentra.

Los rayos de luz que reflejan objetos apagados dentro de un área sombreada no tienen el poder de superar la intensidad de la luz que golpea la atmósfera en sí, que es entre usted y las áreas sombrías distantes. Luz que golpea innumerables partículas atmosféricas anula cualquier detalle que de otro modo podría verse dentro de esas sombras.

Para ver este principio en acción, consulte las áreas de encendedor sombras de la naufragia de fondo (el área circundada # 4 en la pintura).

05. Juega con el mismo objeto en diferentes tamaños.

Esto se relaciona con la repetición de objetos dentro de una escena. Lo que parece un pequeño detalle en un objeto distante puede resultar para ser una característica grande cuando se ve cerca. La yuxtaposición de una figura humana contra dichos detalles 'menores' también fortalecerá el sentido general de escala.

Tome las vigas en la imagen de arriba: las figuras en la plataforma de primer plano conectadas a la viga pesada le brinda al espectador una idea de la escala de las vigas observadas dentro del vientre de la nave de media tierra.

06. Varíe su peso de línea

Esto está relacionado con el valor de la punta # 4 y el consejo de la atmósfera, ya que desea transmitir la distancia y la escala incluso en la etapa de miniaturas más pequeñas. Variar su grosor de línea y peso de sombreado ayudará a comunicar rápidamente la atmósfera y la escala.

Use un lápiz más duro de 4h y un toque ligero para los objetos de fondo, y vaya a un 4b más suave para los detalles del primer plano. Para darle una idea de la cantidad de información visual, incluso un boceto en miniatura con pesos de línea variados puede transmitir, esta imagen tiene solo 12 cm de ancho.

07. Contraste Primer plano y detalles de fondo

El nivel de detalle aparente en la Torre del primer plano proporciona toda la información necesaria para decirnos cuáles podrían estar los detalles en la torre de media tierra distante. No hay necesidad de pintar cosas en objetos distantes si puede describirlos en elementos de primer plano.

Si necesita pintar detalles lejanos, manténgalos confinados a las áreas iluminadas del objeto y sugeríelas libremente y con moderación.

08. Minimizar los detalles dentro de las sombras.

La cantidad de detalles también debe mantenerse al mínimo dentro de las sombras. En mi pintura, el Diablo del polvo, los detalles se sugieren simplemente en las sombras y se reducen progresivamente cuando llego al vehículo de fondo.

A pesar de que la distancia desde la figura de primer plano hasta el vehículo de fondo no es tan grande, todavía quiero mantener los detalles al mínimo. Esto ayuda a mantener el enfoque en mi personaje principal.

09. Transmite la escala con una figura humana.

Colocar una figura humana en una escena es una forma fácil de ayudar a transmitir a escala en relación con otros objetos en el medio ambiente, incluso si esos objetos son de naturaleza fantástica.

En mi pintura, la figura junto a las ruedas del primer plano Rover permite al espectador entender la verdadera escala del Rover Rover, aunque no vemos la totalidad del primer plano.

10. Introducir una gama de texturas.

La textura puede proporcionar un sentido de detalle artificial y, por lo tanto, una cercanía que no quiera en objetos distantes. El cielo nos parece ser una textura libre y suave en comparación con las rocas a nuestros pies.

Aquí, he mantenido la atmósfera de fondo suave para no llamar la atención. Puede ser difícil eliminar esto cuando pinte con aceites en lienzo, pero muy fácil de controlar digitalmente. A medida que los acantilados de roca retroceden en el fondo, se reduce la cantidad de detalle y textura.

11. Hacer bordes hacen el levantamiento pesado.

La disminución de la nitidez donde no se requiere puede ayudar a separar los objetos de primer plano de los objetos de fondo, particularmente donde esos elementos se superponen. John Singer Sargent fue el Maestro de los Bordes, ¡estudiamos sus pinturas!

12. Usa una paleta de colores neutros.

Con la comprensión de que los colores disminuirán en la intensidad, los más alejados que sean, la escala y la profundidad de la comunicación pueden ayudarse limitando la elección de los colores de objetos distantes a una paleta más neutral.

Restrinja los colores más intensos para su punto focal y permita que los elementos de retroceso se vuelvan cada vez menos intensos. En mi pintura, el entierro del cielo # 3, me propuse mostrar los colores audaces de los restos de primer plano contra colores predominantemente silenciados.

Una gran cantidad de pintura del paisaje es principalmente el arte de pintar con una variedad de grises que se han desplazado hacia un color particular. Piense en un gris del valor requerido mezclado con un toque de color, en lugar de un color brillante crudo embotado.

Es más rápido comenzar con un gris neutro y te tinte con pigmento, tradicionalmente al menos, al menos que arrastre un color completo hasta lo que se necesita.

13. Tenga en cuenta el diseño de iluminación.

El buen diseño de iluminación no está restringido a la escala, pero se necesita en todas las buenas creaciones de la imagen, por lo que estoy cubriendo brevemente el tema aquí.

Empiezo con una situación ligera / sin luz, lo que representa digitalmente o tradicionalmente, y establezca lo que estará en la luz y lo que será en la sombra. Esto se hace en el nivel de resolución más bajo de la imagen. Así que en este boceto hay dos valores: blanco para la luz y un gris (lápiz o marcador) para la sombra. La justificación de ese escenario de iluminación puede venir más tarde.

No se colgues sobre el 'cómo' en este punto: preocuparse solo con el diseño de las relaciones entre la luz y la sombra. El punto focal no siempre está en la luz y puede estar muy a menudo en la sombra contra la luz.

14. Mantenerlo simple

Este consejo es bastante autoexplicativo, pero siempre es bueno que se le recuerde. Mantenlo simple. Composición simple, concepto simple, ejecución simple, herramientas simples y materiales y presentación simple.

Esos puntos combinados, más a menudo, producen resultados poderosos. También son alcanzables, lo que significa que terminarás la pieza y ese es el punto. Termina el trabajo, aprenda de él y pase a la siguiente.

Este artículo fue publicado originalmente en el número 167 de Imaginefx , la revista más vendida del mundo para artistas digitales. Comprar Número 167 o suscribir .

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